Ai i habiti shumë shikues, por i entuziazmoi kritikët. Shpjegojmë pse filmi Mulholland Drive të të ndjerit e të madhit David Lynch u cilësua nga BBC si filmi më i mirë i shekullit XXI.
Kinemaja në vitet e para të shekullit XXI po përjeton një krizë ekzistenciale. Termat si “si televizioni” dikur ishin fyerje; tani, me rilindjen dhe “epokën e artë” të re të televizionit, nuk është më kështu. Nëse televizioni nuk konsiderohet më një formë arti inferiore, çfarë do të thotë kjo për kinemanë?
Ndoshta nuk është rastësi që mister-drama e ndërlikuar Mulholland Drive i regjizorit amerikan David Lynch u cilësua si filmi më i mirë i shekullit në një sondazh të vitit 2016 nga kritikët e BBC Culture. Rrënjët e tij lidhen me televizionin: filmi nisi si një pilot i dështuar për një serial televiziv dhe u shndërrua në film artistik.
Historia e ndërlikuar e filmit dhe politika e Hollywood-it, që Lynch i pasqyron edhe në vetë filmin, duket se nuk janë rastësi. Nën shtresën e tij ëndërrimtare, Mulholland Drive është një koment brilant mbi mekanizmat e Hollivudit, pjesërisht i frymëzuar nga problemet e tij.
Projekti filloi gjatë zhvillimit të serialit televiziv kult të Lynch-it, Twin Peaks. Në vitin 1998, ai prezantoi idenë për Mulholland Drive si serial dhe mori dritën jeshile nga rrjeti kabllor amerikan ABC, i cili kërkonte të përsëriste suksesin e misterit të tij në qytetin e vogël.
ABC nuk u impresionua nga episodi i parë, duke e cilësuar atë si të ngadaltë dhe të stërzgjatur. Në vitin 2000, Lynch arriti ta shpëtonte projektin duke pranuar ta kthente atë në një film artistik, me një buxhet dyfish më të madh.
Një nga disa personazhet e vegjël dhe të dyshimtë është misteriozi zoti Roque (Michael J Anderson), i cili duket se kontrollon Hollivudin nga një karrocë me rrota në zyrën e tij hije. Një nga linjat e historisë përfshin një regjisor të famshëm (Justin Theroux) që detyrohet të zgjedhë një aktore kryesore që “të fuqishmit” duan për filmin e tij të ri, por ai refuzon.
Duke e mbushur Mulholland Drive me komente të qarta, ndoshta pesimiste, mbi forcat tregtare në Hollivud, por njëkohësisht duke e mbushur atë me imazhe magjepsëse, Lynch krijoi një paketë shumë tërheqëse për kritikët. Ata mund të humbnin në atmosferën ëndërrimtare të filmit, ndërsa përfshiheshin në një ushtrim intelektual që kritikon ashpër realitetet komerciale të krijimit të filmave: një lloj letre dashurie e detyruar për Hollivudin.
Interpretimi i ëndrrave
Personazhi më i afërt me një protagonist në Mulholland Drive është Betty Elms (Naomi Watts), një aktore aspirante dhe plot gjallëri që mbërrin në qytet duke kërkuar punë. Buzëqeshja e saj rrezatuese do të zhduket shpejt nga fytyra e saj. Betty takon një bukuroshe me flokë të errët dhe sy të mëdhenj, Ritën (Laura Harring), e cila endet nëpër Mulholland Drive pasi i mbijeton një aksidenti automobilistik. Përvoja e ka lënë atë pa kujtesë.
Rita nuk e di emrin e saj. Në fakt, ajo e quan veten “Rita” vetëm pasi sheh një poster të një filmi të vjetër të Rita Hayworth, Gilda, nga viti 1946. Kërkimi i saj për të zbuluar informacion mbi të shkuarën e saj, i bashkuar me përpjekjet e Betty-t për të gjetur punë si aktore, zhvillohet mes një mozaiku historish të tjera, të cilat shpalosen si fragmente të shkurtra, disa që zgjasin vetëm një ose dy skena.
Në një diskutim mbi filmin më të vlerësuar nga kritika deri tani në shekullin e ri, ndoshta mund të nxirren të dhëna përmes krahasimeve me filmin më të vlerësuar nga kritika të shekullit të mëparshëm. Titulli që shpesh shfaqet në krye të listave është Citizen Kane, debutimi i famshëm i vitit 1941 nga shkrimtari/regjisori Orson Welles, në sondazhin e kritikëve të BBC Culture për 100 filmat më të mirë amerikanë të vitit 2015, Kane zuri vendin e parë.
Nëse Kane mund të shihet si një ese mbi elementët teknikë të realizimit të filmit, një mjeshtëri teknike që përfshin montazhin, fokusin e thellë, kalimet dhe manipulimin e mise en scène, tërheqja e Mulholland Drive është më shumë tematike dhe konceptuale. Ai është më pak një demonstrim i mënyrës se si arrihet kinemaja e madhe dhe më shumë një shfaqje e asaj që kinemaja e madhe mund të arrijë, me një kapacitet për ide që duket pafundësisht i madh.
Temat e Lynch-it janë të çmendura dhe jokonvencionale: ëndrrat materializohen; flluskat e çuditshme të mendimeve marrin jetë. Ndërsa filmi i madh i Orson Welles-it fillon me një moment të shkurtër surrealizmi, që përfshin një glob dëbore dhe fjalën enigmatike “gonxhe trëndafili”, por më pas vazhdon në një mënyrë më të drejtpërdrejtë, Lynch mban atmosferën surreale gjatë gjithë filmit. Në këtë kuptim, Mulholland Drive e vazhdon aty ku e la Citizen Kane.
Cilësitë e tij si në ëndërr sjellin shumë gjëra të paqarta dhe të pashpjegueshme që natyrshëm nxisin interpretimin. Por siç ka vënë në dukje kritiku Roger Ebert, një nga mbështetësit më të mëdhenj të filmit: “Nuk ka shpjegim. Ndoshta nuk ka as mister.”
Filmi është pa dyshim sfidues. Degëzimet interesante të rrëfimit ndërpriten papritur si gjymtyrë; personazhet shfaqen dhe zhduken. Vonë gjatë filmit, pas një skene që duket se tregon zgjimin nga një ëndërr, protagonistja transformohet, pa shpjegim, nga optimistja Betty në një aktore të dështuar dhe të përndjekur me emrin Diane.
‘Nuk ka bandë’
Por janë momentet e vogla dhe të pavarura ato që mbeten më gjatë në kujtesë dhe që i japin filmit një teksturë mozaiku. Më e madhja prej tyre është skena e famshme në Club Silencio, një pjesë e paharrueshme e filmit. Është një përvojë ndijore e mrekullueshme dhe një ushtrim vetë-reflektiv, që ngre kapakun e filmit për të inspektuar pjesët e tij lëvizëse nga brenda.
Në këtë skenë, drejtuesi i një klubi surreal ngjitet në skenë. “No hay banda!” shpall ai: “Nuk ka bandë.” Me fjalë të tjera, të gjitha tingujt që publiku dëgjon janë të regjistruar më parë; ato duken reale, por janë një iluzion. Megjithatë, shikuesit mahniten nga një interpretim prekës në spanjisht i një këngë të Roy Orbison, i bukur, i dhimbshëm dhe magjepsës, derisa papritur këngëtarja bie e vdekur dhe tërhiqet jashtë skenës.
Efekti është thellësisht dhe mjeshtërisht tronditës. Lynch krijon një iluzion duke pranuar mashtrimin e nevojshëm për të na bërë ta besojmë atë. Magjia e ëndrrave, me fjalë të tjera, krahas magjisë së filmave: një formë shumë më e lehtë për t’u analizuar sesa tjetra.
Nxitja e audiencës për të marrë pjesë në atë analizë, atë shpërbërje, është një ushtrim që tërheq kritikët si fluturat drejt dritës. Ka diçka pafundësisht magjepsëse për një film që i jep përparësi pyetjeve mbi përgjigjet, duke shtrirë pritshmëritë tona për atë që kinemaja mund të arrijë, ndërsa skenë pas skene ofron gjithashtu një përvojë të pasur dhe të plotë. Ndoshta misteri më i madh nga të gjithë është si arriti Lynch ta realizojë.